Förstå Disneys 12 animationsprinciper

Principer för animering
(Bildkredit: Disney)

Disneys 12 animationsprinciper introducerades först av animatörerna Ollie Johnston och Frank Thomas i sin bokIllusion of Life: Disney Animation, som släpptes första gången 1981. Genom att undersöka arbetet med ledande Disney-animatörer från 1930-talet och framåt ser den här boken Johnston och Thomas koka ner sitt tillvägagångssätt ner till 12 grundläggande principer för animering.

Dessa principer utgör grunden för allt animationsarbete och är relevanta för ett antal olika områden. Även om den tydligaste användningen är att animera en karaktär (se vår karaktär design tips här), dessa regler är också en ovärderlig guide inom andra områden, till exempel när du introducerar rörelse i ditt gränssnitt med vissa CSS-animering .

I den här artikeln tittar vi närmare på varje animeringsprincip. För att se dem i aktion kan du överväga att registrera dig Disney Plus .



Den här artikeln innehåller GIF från Vincenzo Lodigiani , som också gjorde den korta videon The Illusion of Life (nedan).

När du förstår dessa 12 animationsprinciper kommer du att kunna ta ditt rörelsearbete till nästa nivå. Dessa är principerna och vad de betyder:

01. Squash och stretch

Squash- och stretchprincipen anses vara den viktigaste av de 12 animationsprinciperna. När den appliceras ger den dina animerade karaktärer och objekt en illusion av gravitation, vikt, massa och flexibilitet. Tänk på hur en studsande gummikula kan reagera när den kastas i luften: bollen sträcker sig när den färdas upp och ner och klämmer när den träffar marken.

När du använder squash och stretch är det viktigt att hålla objektets volym konsekvent. Så när du sträcker något måste det bli tunnare och när du squashar något måste det bli bredare.

02. Förväntan

Förväntan hjälper till att förbereda tittaren på vad som ska hända. När den appliceras har den effekten att objektets handling blir mer realistisk.

Tänk på hur om det kan se ut om du skulle hoppa i luften utan att böja knäna eller kanske kasta en boll utan att först dra tillbaka armen. Det verkar väldigt onaturligt (det kanske inte ens går att hoppa utan att böja knäna!). På samma sätt kommer animering av rörelser utan ett flimrande förväntan också att din rörelse verkar obekväm, inaktuell och livlös.

03. Iscensättning

Iscenesättning i animering är mycket som komposition i konstverk. Vad vi menar med det är att du bör använda rörelse för att styra betraktarens öga och uppmärksamma det som är viktigt inom scenen. Håll fokus på vad som är viktigt inom scenen och håll rörelsen för allt annat som inte är viktigt till ett minimum.

04. Rakt framåt handling och posera för att posera

Det finns två sätt att hantera ritningsanimering: rakt fram och posera för att posera. Var och en har sina egna fördelar, och de två metoderna kombineras ofta. Rakt framåt handlar det om att rita ram för ram från början till slut. Om du letar efter flytande, realistiska rörelser är rakt framåt ditt bästa val.

Med tekniken med pose för att posera ritar du startramen, slutramen och några nyckelramar däremellan. Sedan går du tillbaka och slutför resten. Denna teknik ger dig lite mer kontroll inom scenen och låter dig öka den dramatiska effekten av rörelsen.

05. Följ och överlappande åtgärder

När objekt stannar efter att ha varit i rörelse kommer olika delar av objektet att stanna i olika takt. På samma sätt kommer inte allt på ett objekt att röra sig i samma takt. Detta utgör kärnan i den femte av Disneys animationsprinciper.

hur man återställer perspektiv rutnät illustratör

Om din karaktär springer över scenen kan deras armar och ben röra sig i en annan takt än huvudet. Detta är överlappande handling. På samma sätt, när de slutar springa, kommer deras hår sannolikt att fortsätta att röra sig några få ramar innan de vilar - det här följer igenom. Dessa är viktiga principer att förstå om du vill att din animation ska flöda realistiskt.

06. Sakta in och sakta ut

Det bästa sättet att förstå långsamt och långsamt är att tänka på hur en bil startar och stannar. Det börjar röra sig långsamt innan det får fart och påskyndar. Det motsatta kommer att hända när bilen bromsar. I animering uppnås denna effekt genom att lägga till fler ramar i början och slutet av en åtgärdssekvens. Tillämpa denna princip för att ge dina objekt mer liv.

07. Båge

När du arbetar i animering är det bäst att hålla fast vid fysikens lagar. De flesta föremål följer en båge eller en bana när de rör sig, och dina animationer bör återspegla den bågen. När du till exempel slänger en boll i luften följer den en naturlig båge när effekterna av jordens tyngdkraft verkar på den.

08. Sekundär åtgärd

Sekundära åtgärder används för att stödja eller betona huvudåtgärden som pågår inom en scen. Lägga till sekundära åtgärder hjälper till att lägga till mer dimension i dina karaktärer och objekt.

Till exempel den subtila rörelsen i din karaktärs hår när de går, eller kanske ett ansiktsuttryck eller ett sekundärt föremål som reagerar på det första. Oavsett fallet bör denna sekundära åtgärd inte distrahera från den primära.

09. Tidpunkt

För denna animationsprincip måste vi titta på fysikens lagar igen och tillämpa det vi ser i den naturliga världen på våra animationer. I det här fallet är fokus på timing.

Om du flyttar ett objekt snabbare eller långsammare än det naturligt skulle röra sig i den verkliga världen kommer effekten inte att vara trovärdig. Med rätt timing kan du kontrollera stämningen och reaktionen hos dina karaktärer och objekt. Det är inte att säga att du inte kan driva saker lite (speciellt om du skapar en imaginär värld) - men om du gör det, var konsekvent.

10. Överdrivning

För mycket realism kan förstöra en animation, vilket gör att den verkar statisk och tråkig. Lägg i stället lite överdrift till dina karaktärer och objekt för att göra dem mer dynamiska. Hitta sätt att driva gränserna bortom vad som är möjligt, så kommer dina animationer att dyka upp.

11. Helritning

Du måste förstå grunderna i teckning. Detta inkluderar att veta hur man ritar i tredimensionellt utrymme och förståelse av form och anatomi, vikt och volym, och ljus och skuggor.

Även om du kan skjuta gränserna här är det också viktigt att vara konsekvent. Om din värld har skrämmande dörrar och ett skevt perspektiv, behåll det perspektivet genom hela animationen. Annars kommer saker att falla sönder.

12. Överklagande

Dina karaktärer, föremål och världen där de lever måste tilltala tittaren. Detta inkluderar att ha en lättläst design, gedigen ritning och en personlighet. Det finns ingen formel för att få detta rätt, men det börjar med stark karaktärsutveckling och att kunna berätta din historia genom animeringskonsten.

Relaterade artiklar: